Día Mundial del Arte 2014

  • Una semana dedicada a celebrar el aniversario de Leonardo da Vinci.
  • Neuroestética, crisis en la educación artística y el arte contemporáneo fueron los temas principales en la celebración del Día Mundial del Arte.

Este año se celebró en la ciudad de Oaxaca el Día Mundial del Arte, instaurado por la UNESCO a través de la Asociación Internacional de Arte en el año de 2001 en la 17ª asamblea general llevada a cabo en la ciudad de Guadalajara, en donde decidieron que dicho día se celebraría en el natalicio del artista italiano Leonardo da Vinci (15 de abril) por ser uno de los máximos representantes del arte en todos sus ámbitos.

Del 14 al 19 de abril se llevaron a cabo exposiciones, talleres y conferencias con motivo de la celebración del Día Mundial del Arte, la encargada del evento fue la ciudadana Soledad Zamora, quien destacó en la presentación de la primera conferencia que el programa de actividades fue concebido a través de voluntarios, apoyo de comunicólogos, diseñadores, mercadólogos y críticos pertenecientes a la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP). Zamora también destacó que “el día mundial del arte se concibe en Francia y en Turquía, en 2011 inician las actividades en la ciudad de México, posteriormente en Tabasco y este año se celebra en Oaxaca”.

Con el lema de “Arte: privilegio de todos” las actividades que se realizaron fueron, en su mayoría gratuitas, patrocinadas por el gobierno del estado, CONACULTA, Universidades públicas y privadas, museos, galerías y restaurantes. Los lugares destacados donde se llevó a cabo la programación de actividades fueron el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), La Biblioteca Henestrosa y el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo.

Cabe mencionar que el país invitado para el evento fue Estados Unidos de América, cuyos artistas abanderados participaron en la exposición Executive Producer y en la impartición de un taller de gráfica.

Executive Producer, Arte Contemporáneo

La exposición fue inaugurada el 14 de abril en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, con la participación de las obras de Conrad Ruiz, Nico Colón, Carissa Rodríguez, Francisco Cordero-Oceguera, Olivia Erlanger, Tomás Díaz Cedeño, Debora Delmar Corporation, Andrew Birk, Alex Mackin y Darja Bajagic.

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La muestra trata de reflexionar en torno a la producción automatizada, la asistencia tecnológica que facilita/sistematiza la interacción con el mundo material, las obras son suposiciones e interpretaciones del proceso de fabricación y significación de la vida moderna en la que vivimos. Así, podemos encontrar una silla con una chaqueta, que de inicio parece estar fuera de contexto, pero esta “obra” hace referencia a los artefactos que distribuyen nuestras actividades y tiempo, así como su función social, lo que nos convierte en clientes y consumidores.

Se explora y se reconfigura la vida material con su estandarización de identidades y productos reproducibles como un conjunto de opciones masivamente producidas. Este efecto ha creado, según los artistas, un estado de cierta incredulidad ante la vida contemporánea. Tras explorar la exposición también se puede quedar en un estado de cierta incredulidad ante el arte contemporáneo.

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Si bien la intención de los artistas es hacer una crítica usando los mismos medios del objeto en cuestión, logran parcialmente su objetivo: pensemos en un turista que va pasando por el museo y decide entrar a conocerlo, pensemos que no lee la cuartilla que el curador se esmeró en escribir y que en primera instancia se encuentra con una bolsa de papel en el suelo, recorre las salas un poco más y se encuentra con un escritorio enyesado y más adelante con una impresión digital de un render donde aparece  un ratoncillo muy parecido al de Ratatouille, saldrá confundido sobre lo que están considerando arte, en primera instancia podrá pensar que él mismo pudo haber hecho esas cosas y en segundo lugar puede considerar que el cuadro que vio lo puede conseguir en un bazar. La cuestión es si lo hizo reflexionar o no sobre la situación de la automatización de la producción de bienes y servicios.

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Cuando una línea de arena es considerada parte de la exposición pienso en la curaduría de la exhibición, muchas de las obras las pudo haber montado el encargado considerando pocos menos artistas de los que se incluyeron. Uno como espectador, camina y fija la mirada en las paredes, la arena queda deshecha y la bolsa de papel considerada el olvido de alguien. ¿Es este el propósito de la exposición?

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Las conferencias del Día Mundial del Arte

Cuando veas, no pienses

Conferencia impartida por el Dr. Francisco Gómez Mont Ávalos y la Lic. Rakel Ruiz, representantes de la Galería de Neuroestética “Giordano Bruno” de la Ciudad de México.

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El Dr. Francisco Gómez Mont Ávalos portando una playera con diversas imágenes alusivas a Leonardo da Vinci, inició la conferencia con una cita del portugués Fernando Pessoa: “Cuando veas, no pienses” y explicó que la idea en el arte es concentrar la atención, cuando estás viendo, en lo que estás viendo; porque siempre estamos pensando y la contaminación que se ejerce es de lo verbal sobre lo visual.

“Hay momentos en la historia de la humanidad donde se logra un clima cultural en donde se fomenta la comunicación entre los dos hemisferios cerebrales, todos tenemos un hemisferio cerebral izquierdo que tiene que ver más con las ciencias que con la razón, con la lógica, y un hemisferio derecho que tiene que ver más con lo musical, con lo visual  con lo artístico, con lo creativo, con lo estético”

Lo que el Dr. Ávalos transmite es que hay momentos en la historia de la humanidad en que se logra un equilibrio de ambos hemisferios cuando participan en un momento creativo, y dice que eso sucedió con Aristóteles  y con Leonardo da Vinci. La esperanza que se tiene es que se lograrán esos momentos de creatividad cultural en la actualidad.

La mitad de la conferencia versó sobre cómo el cerebro procesa el arte, con apoyo de las ideas de Leonardo da Vinci: “La simplicidad es la máxima sofisticación, una obra no se termina sólo es abandonada” y otros investigadores de neuroestética.

La idea central de la conferencia fue que la ciencia y el arte se potencializan mutuamente y mencionó que el proceso de individuación durante la vida trata de conciliar el lado femenino y masculino, el hemisferio izquierdo con el derecho.

Ejemplificó con la pintura más representativa de la civilización occidental: La Mona Lisa y dice: “La doctora Livingston de Harvard demuestra que Leonardo da Vinci era un psicólogo experimental, tratando de lograr esa sonrisa enigmática, lo logró a partir de la intuición y queda demostrado al ver la obra en visión periférica y central”.

Luego el Dr. Ávalos pasó a hablar de cómo el cerebro responde a la belleza, en primer lugar responde a la belleza objetiva o matemática, la cual tiene que ver con la proporción aurea y con la secuencia de Fibonacci, ésta belleza se manifiesta en las ínsulas del cerebro y es la misma en todos los países. Pero también existe la belleza subjetiva, para la cual, por ejemplo, si se ve un cuadro y nos recuerda a alguien, lo vamos a identificar como bello, y esto se manifiesta en la amígdala del cerebro.

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Otro de los científicos de neuroestética que menciona es el Dr. Seki, quien ha estudiado la belleza por medio del tomógrafo, donde muestra a las personas, obras de artes y observa cómo se activa el hemisferio derecho si están viendo caras con proporción aurea o si están viendo paisajes, la naturaleza muerta activa ambos hemisferios y el arte abstracto no se ha determinado específicamente qué es lo que activa, por lo que se intuye que lo que se llama arte abstracto son muchas cosas y que los estudios están buscando una especificidad muy precisa que el tomógrafo no puede detectar; y concluye que hay que estudiar más el arte abstracto.

Al final de la intervención del Doctor se proyectaron imágenes de las obras de la bienal de Venecia del año 2013 y una reinterpretación de la artista plástica Rakel Ruiz que realizó a partir de esas imágenes y plasmó en forma de collages. Y para cumplir con el título de la conferencia no se distrajo a los presentes con palabras, sólo se les dejó observar.

Tecnología perceptual

La segunda conferencia que me pareció que valía la pena asistir fue la que dictó Xiuh Xochipiltzin Tlateumatini Netlacaneco, proveniente también de la Ciudad de México, la cual versaría sobre Neuronawalismo y Tekpilla’tolli como apoyo en el proceso de enseñanza-aprendizaje del arte y el diseño en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM.

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El conferencista inició su plática con una sentencia delicada según la interpretación: “Yo vengo aquí a exponerles un poco lo que se está haciendo en el mundo del arte en la Ciudad de México”. Es como si Oaxaca estuviera aislada del mundo. En fin, lo que trató de explicar el Maestro Xiuh fue el programa de enseñanza que propuso para la facultad de Diseño y Arte de la UNAM, el cual tiene como lema: “Enseñar y aprender arte desde el interior de una obra de Arte.”

Lo primero que aclaró fue el significado de neuronawalismo: metodología plástica tecnoperceptual, y Tekpilla’tolli que es la lengua náhuatl “clásica”. Luego aclarado el título de su conferencia pasó a hablar de cómo el pensamiento en el país está orientado a la manera occidental, donde el objeto de estudio queda relegado y dividido por el escritorio de los científicos.

Después habló de la indefensión aprendida y mostró un video en donde se caracteriza cómo en la escuela nos enseñan a pensar que no somos capaces de hacer las cosas. Así, la conferencia se desarrolló con un ritmo pausado en donde el ponente trataba de mostrarnos algo desde su computadora y lo que terminó haciendo fue leernos el blog en donde lleva a cabo su tesis.

La importancia de su propuesta radica en que si se ha escogido la carrera de artista por vocación hay que dar las herramientas necesarias durante el aprendizaje para desarrollar las habilidades y no preocuparse a la manera occidental de qué se va a vivir, porque si se es bueno en lo que se hace no hay que preocuparse por lo demás.

La educación artística como urgencia en el Arte Contemporáneo

La última de las conferencias que aquí reseño es la que se realizó a manera de diálogo con el Maestro Cesar Holm y la Maestra Analí Núñez en donde plantearon la crisis educativa en la que se encuentra el país, en especial en el mundo del arte; y su posible solución.

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Iniciaron con el planteamiento de la crisis actual: “Una de las problemáticas que tenemos es que el artista depende de las instituciones”, esto lo explica porque el artista depende del FONCA, de CONACULTA, del INBA y de esa manera está obligado a producir, sobrevivir y legalizarse como artista, lo cual representa un problema porque no se hace un deslinde para poder crear sin estar respaldado por la institución.

"El artista que no ha sabido independizarse está esperando que le vengan los recursos estatales para poder producir.” 

Le educación es la revolución que podía cambiar el estado de la cuestión, apunta Holm. Está consciente de que el público no ve al arte contemporáneo, pero el problema está en que el artista no vea al público. La educación podría acercar el arte contemporáneo a la gente, porque se habla no de una educación solamente para los productores de arte sino para todos en general, en donde se haga comunidad y se abran las ventanas para asomarnos al mundo.

En la actualidad el mismo artista no sabe qué significa ser artista porque “el artista dejó de hacerse indispensable para la sociedad” sentencia Holm y también señala que no se ha definido la función social del artista, por eso para el público no le es indispensable tener una pieza de arte en su casa.

Ya planteada la problemática de la situación actual del arte contemporáneo, de la producción artística, de la crisis institucional, de las licenciaturas que enseñan todo menos a ser artista, la Maestra Núñez pregunta cómo ejercer la profesión de artista y cómo legalizarse a través del propio trabajo. En primer lugar, contesta Holm, hay que desvincularse de las instituciones, luego verificar la función social como artistas, aunado a esto, convertirse en consumidores de obra si es que se espera vivir de la venta de la propia producción artística y formarse como artista fuera de la institución, ya sea por los propios medios o buscando los lugares y personas adecuadas que lo impulsen como creador.

También habrá que resignificar el espacio público, los museos y galerías, la docencia y abrir el acceso al arte, formar al público, hacer comunidad, involucrar a más gente en los procesos culturales, prepararse desde otros campos, abrir el panorama de la formación y luchar contra lo que la tecnología está haciendo: aislar a la gente, porque señala Holm que mientras no haya comunidad de práctica no habrá comunidad de aprendizaje y existe una necesidad de marco teórico para la producción artística actual.

Las tres conferencias fueron bastante concluyentes en cuanto a la necesidad de pensar el arte contemporáneo, modificar el tratamiento actual que se le da, trastocar los puntos inamovibles de la educación, y sobre todo en darse cuenta de que las formas actuales de producción no son las mismas que las de hace veinte años, que hay que pensar mejor cuando producimos arte, que tenemos la obligación de estudiar y tener una base de la cual partir y no simplemente pintar por pintar, fotografiar por fotografiar o escribir por escribir.

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La semana dedicada al Día Mundial del Arte terminó con suficiente éxito, las conferencias y talleres tenían un hilo conductor que propusieron la mejora de la producción artística actual, sin embargo las exposiciones parecían una amalgama salida de la adjunción al programa, lo cual hace pensar que hubieran sido realizadas con o sin la presencia del Día Mundial del Arte. Imposible para cualquiera, incluso para los mismos organizadores, habría sido asistir a todas las actividades programadas, pero fue acertado descentralizar algunas de ellas y organizarlas en espacios que normalmente no se frecuentan tanto. Otro de los aciertos fue que los talleres, proyecciones y conciertos se ofrecieron de manera gratuita, haciendo honor así a su lema “Arte: privilegio de todos”.

22.04.14

Os Irmãos Mai

Uma amostra da interculturalidade da cidade de São Paulo, uma diretora de ascendencia japonesa, chineses num colegio católico, padaria europeia, camisarias portuguesas, o centro e  Liberdade, a 25 de março desembarçada, o Mosteiro de São Bento; tudo isso conjuntase numa cidade que atinge niveis tão afastados como próximos a todos nós: a globalização, além disso, é uma outra cousa que percebemos todos os dias, a convivência numa cidade cosmopolita, pobre e rica, com o clima mais imprevisível do mundo, onde as quatro estações do ano podem acontecer num mesmo dia.

Os irmãos Mai estão à procura do presente perfeito para o aniversário da avó, quem espera em casa, e a aventura destes dois pelas ruas de Sampa trazeram a ela o repentino.

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Os Irmãos Mai

Un recorrido por el centro y el barrio japonés de la ciudad de São Paulo, dos hermanos chinos en un día de característico clima impredecible, el repaso de sus posibilidades de encontrar el regalo perfecto para su abuela, una relación fraterna que se quiebra y reúne pero que nunca la falta de cariño dejará de estar presente.

El cortometraje es una muestra de la interculturalidad de la ciudad de São Paulo, donde niños chinos se forman en una escuela católica, que tiene tradición por incorporar a inmigrantes de China a la cultura brasileña. El convento de São Bento, la catedral, la calle 25 de marzo y el barrio japonés de fondo y entorno, sirven para contextualizar ese monstruo de ciudad que con su clima y tráfico acogen a esos dos hermanos en su trayecto hacia casa en el día del cumpleaños de su abuela. 

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14.04.14

David dijo a Natán: “Pequé contra Yavé.” Natán le respondió: “Yavé por su parte perdona tu pecado y no morirás. Pero como ofendiste a Yavé en este asunto, el hijo que te nació morirá.”
Samuel 12:13-14

La niña muerta

Daniel Lezama

2000

Aquí yace el lector
que nunca abrirá este libro.
Aquí está. muerto para siempre.
Milorad Pavic

La Danza del Hipocampo

Sumergirnos en la memoria, explorar los recuerdos de la infancia que quedaron plasmados en cinta cinematográfica, recorrer siete fragmentos de nuestra vida para darnos cuenta de la diferencia entre lo real y lo que pensamos que sucedió. El documental La danza del Hipocampo de Gabriela Domínguez Ruvalcaba retrata una parte importante de la función de la memoria en nuestras vidas, o mejor dicho, en su vida.

Desde el comienzo la narración excluye a los espectadores, porque el excesivo uso de la primera persona no nos lleva a situarnos más allá de las imágenes que nos presenta; aunado a esto, no hay un solo diálogo en la cinta y la voz cantante la lleva esa narración intermitente que a veces se vuelve desagradable.

Sólo dos o tres veces el documental logra transmitir su propósito, y lo hace porque modifica la estructura de la narración a la segunda persona o a la primera del plural, aquí es cuando la función apelativa del lenguaje nos hace sentir parte de algo mayor, de algo común a todos: la función de los recuerdos de la infancia en nuestras vidas.

Habrá que ver poco más de la mitad del documental para experimentar un nudo en la garganta, esto es cuando conjunta tres elementos: fotografía, narración y sonido. En ese momento nos traslada a 1994, año en que sucedió el levantamiento zapatista en Chiapas. Durante esos minutos todo pinta para volverse más emocionante, pero regresa al mismo mecanismo de presentar archivo mientras lo va narrando, sin diálogos y con la mínima música.

En la parte visual casi un cincuenta por ciento está basado en archivo fotográfico de la directora, por lo que surge la pregunta: ¿habría hecho este trabajo si en su vida la fotografía y el video no hubieran estado tan presentes, si no hubiera tenido un tío que trabajara como asistente de cámara?, la respuesta es bastante obvia y la autora seguramente ya se ha de haber hecho esta y más preguntas. Hasta cierto punto esos recuerdos guardados en celuloide cumplen su función, pero se vuelven redundantes debido a la constante intervención de esa voz femenina que nos describe lo que ya estamos viendo.

La parte poética del documental está marcada por varias analogías, la titular es el caballito de mar en relación con esa estructura de nuestro cerebro que se encarga de la memoria episódica y espacial; otra, es la fotografía de las ramas de los árboles comparándolas con las neuronas y sinapsis de nuestro cerebro; y una más, es la fotografía acuática de algas marinas entendiéndolas también como el tejido neuronal.

La danza del Hipocampo empieza con un giro científico y un toque personal, pero se vuelve algo bastante personal con un tinte científico, que se ve aniquilado por una reflexión al final: “Recordar es volver a pasar por el corazón, con el cerebro no basta”. Si la autora está hablando del cerebro y de cómo funciona nuestra memoria, y además sabemos que con el corazón no sentimos, ¿por qué involucrar entonces al corazón?

La cinta podría llegar a un público más amplio si no estuviera tan enfocada al yo, porque más que un documental sobre la memoria es una autobiografía construida a partir de los recuerdos de la directora, ayudándose de su archivo personal y de la revisita a los lugares en donde vivió su infancia. Sin embargo, es interesante cómo las metáforas y analogías: el hipocampo, las ramas, las algas; nos hacen pensar en cómo nuestra memoria va modificándose a lo largo de la vida.

03.04.14

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Una red de lineas entrecruzadas es la confesión de un millonario apasionado de catóptrica, que juega con los dos sentidos de la palabra especulación y propone una teoría del capitalismo como maquinaria de espejos.
Ecos, Reflejos y rompecabezas - Marie-Claire Figueroa

Clase de pragmática con J.F. Kennedy

"Eu sou um sonho"

Resonaban las palabras de la profesora en el salón, era mi primera semana en la clase de pragmática.

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El famoso discurso pronunciado por Kennedy en Alemania occidental en 1963 y mejor conocido como “Ich bin ein Berliner”, se prestó a confusión, la cual causaba una risa constante mientras la profesora la explicaba ayudándose del video que quedó para la posteridad. 

La razón de tantas risas es que por un artículo “ein”, Kennedy se dijo a sí mismo un pastelito, que en portugués se conoce como “sonho” y nosotros muy probablemente le llamemos “berlin” o “berlinesa”.

Sonho, berlin, berliner. ¿Es en la traducción donde se da la confusión o un alemán también se habrá reído tras el discurso?

25.03.14

Pachypodium Lamerei  (World Press Photo 2014)

Del día en que el mezcal nos atolondró tanto que no lo he probado desde entonces.

Nota: para esta foto sólo fungí como “asistonta”.

22.12.13

Palacio Negro 03/14

La profecía de inicio de año dictaba hacer un viaje al mes, en marzo hemos cumplido en el segundo fin de semana, para no fallar. Después de cuatro horas de espera llegamos a Lecumberri.

Tengo aquí la selección de cuatro fotos tomadas con celular, que mal que bien fueron las que me gustaron.

Lo curioso e importante: Los gatos del AGN.

07.03.14 

Aún no sé qué es la Deconstrucción

"La deconstrucción ha hecho lo posible por borrar las fronteras entre los distintos géneros"

-Dámaso López García

Al inicio de su conferencia el Dr. Dámaso López nos presenta este video: Philosophy froma a bed view de Slavoij Zizek. (Pregúntenme, no sé que relación hay, seguro alguien más abusado que yo ha captado el chiste).

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En seguida pasa a dar ejemplos de formas populares de la deconstrucción de discursos, como los volantes deconstruidos en un desfile de moda, la tortilla de patata deconstruida y la película de Woody Allen Deconstructing Harry.

Ya en tono más serio comienza a hablar del artículo de Paul De Man La resistencia a la teoría. Lo que días más tarde imagino es que lo que realmente hizo darnos una clase de como deconstruir un artículo.

El artículo había sido encargado a Paul de Man para que realizara una revisión sobre las tendencias de los estudios literarios de los últimos diez años, lo cual era una tarea bastante difícil de abarcar en un período bastante estrecho, por lo mismo, el ensayo comienza con la siguiente advertencia:

Me resultó difícil cumplir, con un mínimo de buena fe, los requisitos de este programa y sólo pude intentar explicar, con la mayor concisión posible, por que el principal interés teórico de la teoría literaria consiste en la imposibilidad de su definición.

López concuerda hasta este punto diciendo que hay un insolvencia metodológica: los estudios literarios no definían su objeto de estudio. Y se pregunta: en un mundo que estudia la literatura como valores universales ¿Qué es lo que quiere decir esto o aquello?.  

Verán, hasta ahora no me queda claro qué es lo que pretende la deconstrucción, aunque muy en el fondo mi cabeza trata de relacionar las anotaciones anteriores con el concepto de Derrida.

La siguiente cita en discusión es la que inicia el debate sobre la enseñanza de la investigación:

La enseñanza no es principalmente una relación intersubjetiva entre personas, sino un proceso cognitivo en el que uno mismo y el otro se relacionan solo tangencialmente y por contigüidad. La única docencia que merece tal nombre es la investigadora, no la personal; las diversas analogías entre la enseñanza y el show business o las tareas de guía y consejero son, en la mayor parte de los casos, excusas por haber abandonado la tarea. La investigación tiene que ser, por principio, eminentemente enseñable.

Referente a esto López nos dice que Paul de Man al decir “deconstrucción” es uno (?). Ahora bien, con este asunto/cita nos lleva a reflexionar sobre la separación tajante del estudio de la lingüística y la literatura, éstas son dos áreas complementarias en cuanto a datos históricos y filológicos. Por lo mismo, hace hincapié en que ni la interpretación de la literatura ni la enseñanza de la lingüística son largas o complicadas.

Se puede decir que la teoría literaria aparece cuando la aproximación a los textos literarios deja de basarse en consideraciones; no lingüísticas, esto es, históricas y estéticas, o, de un modo algo menos tosco, cuando el objeto de debate ya no es el significado o el valor sino las modalidades de producción y de recepción del significado y del valor previas al establecimiento de éstas.

El Dr. Dámaso reflexiona sobre la garantía que nos da el hecho de que el objeto de debate ya no es el significado previo al establecimiento de este. Ahora lo que me queda claro es que la deconstrucción nació en la teoría literaria, pero su método no lo entiendo.

López cierra la conferencia hablando sobre los apasionantes objetivos de la deconstrucción, los cuales permiten poner en duda la finalidad de las cosas que hacemos, revisarlas desde el principio, de los fines que se establecieron en un principio. 

Mi reflexión: La enseñanza de no aceptar todo lo que dice un artículo.

05.02.14

Vamos a romper madres

Es la frase que dije cuando entré la primera vez a la universidad.
Entonces lo creí y funcionó.
Es la frase que he escuchado más esta noche.
Ahora funciona para los que la han pronunciado.

Escribo cuatro lineas y no sé que más decir. La verdad es que no tengo más que decir:

¡Vamos a romper madres!

Superfly

Curtis Mayfield

Domingo, final de domingoul sin dominó.

La grande belleza

Por favor, por favor, llega a mi.

(Fuente: leonardodicrapio)

(Reblogueado desde oldfilmsflicker)
La muerte que engendra toda la belleza de la Realidad: la que separa amantes, pues otra muerte no hay, no se muere para sí ni hay muerte para quien no ama…
Museo de la novela de la Eterna - Macedonio Fernández